Música: um bom negócio?

A música, ou seja, a combinação do elemento sonoro com um critério racional (melodia, harmonia e ritmo, de acordo com os manuais), existe há milênios (talvez 40 ou 50 mil anos).

A voz humana ou o uso de vários instrumentos é uma constante em todos os modos civilizacionais conhecidos (de acordo com a classificação clássica: percussão, aerofones e cordofones, e de acordo com o sistema Hornbostel-Sachs, também idiofones – instrumentos de corpo sólido vibrantes – e membranofones – instrumentos de membrana vibrantes).

Atualmente, é necessário adicionar dispositivos eletrônicos, como, por exemplo, o sintetizador Moog, ou um computador potente (PC/Mac) com software DAW (como Ableton ou FL Studio), uma interface de áudio, controladores MIDI (teclados ou pads) e monitores de estúdio ou fones de ouvido para uma monitoração precisa.

As flautas mais antigas conhecidas datam de 30.000 anos atrás, feitas de osso e encontradas em diversas cavernas no sul da Alemanha, especificamente em Hohlefels e Geissenklösterle. A engenhosidade humana tem sido notavelmente prolífica nessa área, criando música com uma ampla variedade de elementos (estima-se que existam cerca de mil instrumentos), desde o bater de duas pedras até recursos eletrônicos modernos, da simplicidade de uma corda esticada à complexidade de uma orquestra sinfônica de estilo europeu com mais de cem músicos, abrangendo de 15 a 20 famílias de instrumentos e, às vezes, até mesmo incorporando a voz humana.

Qual é a música “mais bela”? Essa é uma pergunta completamente falha: todas as expressões musicais, todas as formas pelas quais a humanidade manipulou o som ao longo da história, atendem a uma necessidade, satisfazem algo. Essa expressão humana sempre esteve presente, para os mais diversos propósitos: para o culto religioso, para a preparação para a guerra, para a celebração de diferentes e variados estados de espírito, para a expressão de sentimentos relacionados à morte. Acompanhando diversas atividades humanas (cerimônias, rituais, magia, caça, cura, etc.), os vestígios que temos hoje mostram que, mesmo nas primeiras grandes civilizações neolíticas, a música tinha uma função de “arte”; ou seja, a música era feita simplesmente para o prazer de ouvi-la (Mesopotâmia, Síria, Egito, Mesoamérica). Com a modernidade europeia, essa “arte” atingiu sua expressão máxima, refinando-se ao extremo como uma atividade autônoma, unicamente para o prazer de ser ouvida, sem acompanhar qualquer atividade específica, sem ter uma função social específica, desenvolvendo assim seu próprio espaço limitado (o palácio dos aristocratas, o teatro mais tarde), para depois se massificar, chegando aos atuais meios de comunicação de massa, tornando a música indissociável de toda atividade humana, sempre em seu papel de mercadoria a ser consumida.

Somente na modernidade capitalista, onde absolutamente tudo pode ser uma mercadoria regida pela lei do valor, a produção musical deixou de ter uma função social (ligada ao sagrado, à medicina, ao poder político, à vida comunitária com suas cerimônias específicas), como teve durante milênios em diferentes culturas, deixando também de ser uma das “belas artes” de natureza aristocrática, para se tornar apenas mais um produto de consumo, consumido em massa.

Toda produção musical, adequada ao seu contexto sócio-histórico, é “bela”. Certamente, podem existir obras mais elaboradas: o nível de desenvolvimento alcançado pela polifonia europeia é incomparável; mas apresentá-la como “o” modelo de perfeição criativa apenas reafirma o eurocentrismo dominante, o que é absolutamente questionável. Por que uma sinfonia de Haydn seria mais bela do que um raga hindu, ou por que uma escala pentatônica inca seria mais bela, ou não, do que um cântico espiritual negro cantado por africanos escravizados trazidos para plantações americanas? Por quais critérios podemos medir a beleza em questão? Definitivamente: impossível.

Se podemos falar de “grande música”, abrangendo a produção acadêmica europeia dos últimos três ou quatro séculos (Barroco, Clássico, Romântico), então o mais repulsivo racismo eurocêntrico está inerente a ela. Como reação a essa criação, o século XX viu o surgimento de expressões que buscavam uma nova estética “não bela”, uma apologia da dissonância, com o desenvolvimento da dodecafonia, da música concreta francesa e da música eletrônica alemã, chegando assim ao slogan da chamada “antimúsica”, onde, segundo seus criadores, “ruído é arte” (e em vez de tocar as teclas do piano, por exemplo, martela-se o tambor, ou consagra-se o ruído de um liquidificador em funcionamento como arte).

O século XX acelerou monumentalmente processos de mudança que já estavam em curso desde o século XIX; por exemplo, a massificação de tudo. Tudo pode ser uma mercadoria, portanto, tudo pode ser um negócio. O consumo em massa dessas mercadorias, independentemente de quais sejam, é lucrativo. Estamos diante da essência mais pura do capitalismo: negócio é negócio. Na lógica iniciada por esse modo de produção e consumo há alguns séculos, nenhuma faceta da humanidade escapa ao horizonte da produção de mercadorias: tudo se torna uma mercadoria, concebida em termos de estratégia comercial (mais tarde, a publicidade se encarregará de fazer as pessoas consumirem o que quer que seja).

A música não pode ficar isenta dessa dinâmica. Portanto, o comércio musical se torna um grande negócio, e aí temos o rádio, os fonógrafos, os discos de vinil e toda uma gama infinita de dispositivos eletroacústicos que permitem a venda ininterrupta dos mais diversos produtos musicais.

Ali, vende-se de tudo, desde o que é preconceituoso e conhecido como “música erudita” até a música folclórica de diversas culturas, mas em meio a tudo isso emerge o que se tornaria a estrela dominante nos séculos XX e XXI: a chamada “música popular” para venda. Absolutamente tudo está incluído: surgem criações não acadêmicas de inegável valor artístico, com propostas musicais e, em muitos casos, letras que definem um rumo. Temos jazz e blues, tango, baladas de famosos cantores e compositores, o que se chama de música de protesto, Nova Trova, a popularização de ritmos tradicionais de várias partes do mundo, heavy rock, a chamada música “funcional” (para uma sala de espera, por exemplo) e um longo, quase interminável etc. Hoje, essa música é concebida — pelos empresários que a gerenciam — como um produto a ser consumido, portanto a oferta é hipersegmentada, buscando não transformar ninguém em um consumidor em potencial.

O que prevalece, no entanto, são obras altamente digeríveis que se tornam “moda” (como acontece na indústria do entretenimento) e desaparecem rapidamente, aguardando a próxima mercadoria consumível que logo surgirá. Deparamo-nos com composições concebidas para o consumo em massa, sem grandes aspirações criativas (nem na música, nem na letra), nem como expressão espontânea de uma comunidade — como a música historicamente representou em diferentes sociedades, cantando sobre os vários aspectos da vida: canções rituais, sociais e relacionadas à identidade — nem como criações artísticas refinadas, pacientemente elaboradas, onde o gênio criativo mais profundo se torna explícito (Bach levou 20 anos para compor sua monumental Missa em Si menor). Em outras palavras: este é o reinado das composições fáceis de ouvir, que um músico profissional talentoso pode compor em uma tarde de trabalho, com melodias cativantes e muito simples, estruturas rítmicas altamente repetitivas (geralmente ritmos binários simples — esqueçamos combinações rítmicas, compassos zortziko ou amálgamas), sem interações harmônicas complexas, principalmente em tonalidades maiores — as tonalidades menores são mais introspectivas, não “alegres” —, sem qualquer tipo de variação (esqueçamos fuga e contraponto, por exemplo) e um som que — presume-se — agradará às massas, garantindo assim o máximo de vendas. Uma observação importante: essas obras — conforme exigido pela indústria fonográfica — geralmente duram três minutos, nem mais nem menos, pois esse é o tempo necessário para absorver completamente uma mensagem sonora, e então ela pode ser repetida por ser “grudenta”. É isso que eles procuram — o que é mais comercializável — e não, por exemplo, um canto cerimonial africano, que pode durar várias horas, um canto árabe para dança do ventre, que pode durar 20 minutos, uma ópera de Wagner de cinco horas ou uma ópera tradicional chinesa, que dura várias horas. Essa música, que é muito elaborada, não pode ser “tornada moda”. E é exatamente isso que esse mercado busca. O formato dessa música como mercadoria é muito fácil de consumir, e é isso que esse enorme mercado ligado à indústria sonora (avaliado em US$ 32 bilhões até 2025) deseja.

Tendo superado a era dos discos de vinil — uma verdadeira revolução cultural em sua época — seguida pelas fitas cassete e CDs, com o advento da internet e do streaming, as paradas de sucesso modernas (como as do Spotify, Apple Music ou YouTube) baseiam-se principalmente no número de reproduções, downloads digitais e popularidade nas redes sociais e playlists. O que permanece primordial, independentemente da tecnologia utilizada, é o lucro gerado para a empresa que a promove.

A questão que se coloca é até que ponto a produção comercial que vemos aumentar diariamente na esfera musical mantém o espírito de beleza ou funcionalidade que lhe era essencial. Será que é produzida porque o artista tem algo a dizer, como a criação artística tem sido entendida há algum tempo, para prestar homenagem a algo, ou será que estão simplesmente compondo mercadoria para vender — simples, efêmera, quase como novas “bugigangas”?

Como mencionado anteriormente, é evidente que os padrões de beleza são circunstanciais. Não existe uma beleza universal e a-histórica. No entanto, vale a pena refletir sobre a produção musical atual, onde os gostos são universalizados para além das diferenças culturais e onde o objetivo final é a venda do produto acabado, independentemente da sua qualidade. É preciso enfatizar que nenhuma música é inerentemente mais “bonita” do que outra; contudo, surgem questões genuínas a respeito dessa globalização: por que a grande maioria dos jovens em todo o mundo ouve — ou é levada a ouvir — pop ou rock, por exemplo, geralmente com letras em inglês, ou por que todos conhecem os Beatles — uma vanguarda da família real britânica parasitária que buscava manter sua presença global após ser ultrapassada pelo impetuoso imperialismo americano — enquanto o mesmo não se pode dizer de um bikutsi camaronês ou de um joropo venezuelano, por mais belos que sejam? Mesmo essas produções não ocidentais podem ser descartadas da visão de mundo eurocêntrica predominante. Na verdade, é conhecida como “música étnica” (existe algo mais repugnantemente racista do que essa expressão?).

O perigo nesse processo contínuo de hipercomercialização reside no papel que a vasta maioria de nós desempenha como meros consumidores passivos, agora em escala global. Os gostos estão sendo universalizados (quem não ouve as últimas “estrelas” em todos os cantos do planeta?), as tendências estão sendo manipuladas e os padrões de consumo estão sendo impostos. É claro que ninguém é obrigado a comprar a música popular anunciada pela mídia de massa, mas quem pode resistir a essa força e como?

A música tornou-se, em grande parte, o ruído de fundo que somos forçados a consumir, em qualquer lugar do mundo, como apenas mais uma mercadoria, parte do “entretenimento” imposto. Daí as constantes mudanças de artistas, produtos da moda e as formas como propostas e mensagens — talvez superficiais — são apresentadas, as quais são, sem dúvida, esquecidas um mês após o seu lançamento, enquanto aguardamos o próximo sucesso.

A ideia eurocêntrica de arte musical de séculos passados ​​está desaparecendo, e a própria mercadoria padronizada que emergiu do que talvez seja erroneamente chamado de Ocidente — esse produto que faz parte da vergonhosamente denominada “indústria do entretenimento” — está ofuscando criações locais, não ocidentais, encurralando tradições que por vezes são antigas e, obviamente, muito ricas, brilhantes em muitos casos. Sem dúvida, essas produções, por vezes com raízes que remontam a milênios, não desapareceram (pelo menos não ainda; talvez nunca desapareçam), mas a universalização das fábricas capitalistas ocidentais que geram tendências (e lucros) está as cercando. A
“mercadoria musical”, concebida dessa forma, conspira contra a qualidade. Não queremos dizer que o pop americano ou britânico seja mais ou menos belo do que um raga hindu, um shengguan chinês ou uma ópera italiana. Mas, no mínimo, permanecem dúvidas quanto à profundidade criativa — por assim dizer — dessas criações claramente efêmeras, concebidas mais em função dos sucessos comerciais do que de seu impacto duradouro como manifestação do espiritual, do gênio criativo.

“O mau gosto está na moda”, disse o músico cubano Pablo Milanés. Se isso for verdade… quem dita as tendências?

*Marcelo Colussi é cientista político, professor universitário e pesquisador social. Nascido na Argentina, estudou psicologia e filosofia em seu país natal e atualmente reside na Guatemala. Escreve regularmente para veículos de mídia alternativa online. É autor de diversos textos nas áreas de ciências sociais e literatura.